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La montaña: Entrevista con el cinefotógrafo Lorenzo Hagerman

Por: Foto: © 2015 - Phoebe Theodora 15. Feb. 2020
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El cinefotógrafo mexicano Lorenzo Hagerman habla sobre ‘La montaña’, su colaboración con el director Rick Alverson y el peso de su mirada documental en la ficción.

Por Lorenzo Hagerman

En una de las escenas La montaña (The Mountain, 2018), quinto filme del director, guionista y músico estadounidense Rick Alverson, el ficticio doctor Wallace Fiennes (Jeff Goldblum) entrega a su joven protegido y asistente Andy (Tye Sheridan) una cámara instantánea Polaroid, para que este capture cada una de las paradas que hace en su gira médica.

Fiennes, personaje inspirado en el médico Walter Freeman, recorre el idílico Estados Unidos de la década de los cincuenta en su cara menos agraciada: la de los hospitales mentales en el abandono y la decadencia donde el doctor Fiennes aún puede realizar los procedimientos quirúrgicos por lo que se hizo famoso.

A través de la Polaroid, Andy —hijo de una mujer enferma y un padre ausente— captura las terapias y lobotomías que Fiennes hacía con total conocimiento de los efectos que estos producían en sus pacientes. Aunque cada una de las operaciones realizadas por Fiennes (y por Freeman en la realidad) podrían ser catalogadas de criminales, el espectador no es obligado a ser testigo de ellas. Al contrario, la cinta de Alverson no está interesada en mostrar la violencia del acto, sino la de sus consecuencias.

lorenzo hagerman entrevista

Interior XII

Para esto, Alverson recurrió nuevamente a la mirada del cinefotógrafo mexicano Lorenzo Hagerman, conocido por su trabajo en el género documental y colaborador del cineasta estadounidense en su película anterior, Entertainment (2015).

Como si se tratase de paredes impuestas, Hagerman captura cada uno de los personajes en un formato cuadrado (4:3) y los enclaustra, poniendo atención en sus débiles actitudes; sus sutiles muecas y su considerable dolor. Andy está aislado y el espectador lo puede notar en cada una de las imágenes que conforman el filme.

En entrevista telefónica desde España, coincidiendo con el estreno en México de La montaña, Lorenzo Hagerman habla sobre la cinta; su colaboración con Alverson y cómo su trabajo en el cine documental ha enriquecido su mirada en su paso por la ficción.

Sector Cine (SC): Aunque esta no es la primera vez que trabajas con Rick Alverson, suponemos que La montaña no fue una película fácil, ni en su planteamiento narrativo ni en su realización. ¿Qué fue lo que te convenció para aceptar trabajar en ella?

Lorenzo Hagerman (LH): Esta película (The Mountain) la acepté porque con Entertainment se generó una inercia creativa y de trabajo entre Rick Alverson y yo, nos entendemos y nos acomodamos bien. Entonces fue un poco un automático que al escribir su nuevo proyecto me llamara y, conociendo el estilo y en particular lo que él busca en el cine, me interesó.

Él (Rick Alverson), desde la primera película ya me había platicado de este proyecto. De hecho me dio un primer guion en aquel entonces. En la forma de trabajo de Rick, el guion se vuelve eso, una guía inicial, un punto de partida, pero en el rodaje se va transformando la película.

SC: En ese caso ¿Cómo fueron las conversaciones con Alverson para llegar a acuerdos sobre el formato a utilizar o los encuadres con los que capturan a sus personajes?

LH: Cada proyecto y cada director tienen una forma de trabajo única. En Entertainment, a mí me llamaron, como es muy común en el cine independiente estadounidense, una vez que tienen el dinero, lo cual significa que están ya sobre el tiempo. Desde la primera plática que yo tuve con Rick se dio una mecánica de mucha claridad, de lo que él quería, de lo que él no quería, lo que él se imaginaba y se definen una serie de reglas para el proyecto.

Para La montaña se discutió mucho el tema del formato. Entertainment tenía un formato no solo anamórfico sino mucho más apaisado que el anamórfico normal, casi una porción de 3:1 y aquí queríamos explorar otro lenguaje usando el formato cuadrado, que es un poco en términos de encuadre lo opuesto. Desde que se echó a andar la preproducción de La montaña y en las primeras pláticas que yo tuve con Rick definimos el formato; la óptica y el tipo de óptica que queríamos utilizar y empezamos a ver juntos una serie de imágenes y de referencias que iban a plantear o iban a establecer las reglas de este nuevo proyecto.

lorenzo hagerman la montaña 2

Interior XIII

SC: ¿Tuvieron algunas referencias claras durante la planificación de la estética de la película? Especialmente si consideramos que está ubicada en el Estados Unidos de los años 50.

LH: En realidad el proceso no es tan específico. Había una necesidad, al ser una película de época, de crear una imagen que nos evocara a la época, pero esto no estaba determinado ni definido como tal en estas pláticas previas.

Ahí más bien hablábamos del lenguaje visual, de la forma de composición, el formato. Hubo mucho titubeo y fue todo un proceso, no solo una vez que Rick y yo estábamos convencidos del formato cuadrado, sino después en una serie de pláticas con producción, que siempre les da miedo en Estados Unidos incursionar en formatos distintos a los convencionales o comerciales.

Como ya habíamos trabajado previamente también había un entendimiento, cosas que ya no se tenían que hablar, sino que nosotros nos entendíamos estando de acuerdo en asuntos particulares de la composición. Cuando yo trabajo con Rick trabajamos mucho en la limpieza de la imagen, tratar de que la imagen esté contenida en cada cuadro con solo lo necesario o con esta filosofía de que menos es más.

SC: La elección del formato es muy acertada dentro de las intenciones de la película por atrapar a los personajes y mostrarlos al espectador en una cercanía casi claustrofóbica. ¿Cómo fue el trabajo con los actores para lograr que esto funcione tal cual funciona en la cinta?

LH: Son escuelas de actuación muy distintas y personajes muy distintos: Jeff Goldblum, Tye Sheridan o Denis Lavant. Lavant viene de la escuela del circo; el ha hecho mucho teatro y mucho cine, pero digamos su preparación inicial fue el circo. Tye Sheridan es muy joven, empezó su carrera de niño, estuvo en El árbol de la vida (The Tree of Life, 2011) de Terrence Malick y ahora películas mucho más comerciales como Ready Player One: Comienza el juego (Ready Player One, 2018) de (Steven) Spielberg o X-Men. Y Jeff Goldblum tiene una carrera muy extensa, de todo tipo de películas, es un actor que trabaja en el set constantemente y prepara la escena dentro del set.

En Estados Unidos también hay una relación con los actores muy distinta que en México. Una de las diferencias que marca la forma de trabajo es que en México, como en el resto de Latinoamérica y en Europa, se cuentan con fondos públicos, por lo tanto se dan libertades los guiones y los directores para quizás, a veces, no trabajar con actores profesionales o no tener que trabajar con un actor que le de un posicionamiento de mercado a la película.

En Estados Unidos no hay fondos públicos, entonces antes de cualquier cosa, cuando vas a buscar financiamiento independientemente de que seas el director que seas, traigas la historia que traigas, lo primero que te van a preguntar es, qué actor tienes. Eso les da un poder a los actores muy distinto.

Jeff Goldblum no tiene la necesidad de trabajar en un proyecto de cine independiente norteamericano, pero, en su caso, sí tenía un deseo de hacer un cine diferente. Entonces, esas ganas de hacer un cine diferente lo ponen en una disposición muy agradable de trabajo.

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En el caso de Denis Lavant son muy pocas las películas que él ha hecho en Estados Unidos, habla muy escaso inglés y él está más acostumbrado a la forma de trabajo europea y tiene una precisión y una técnica excepcional, una capacidad de memoria, improvisación muy excepcional. Entonces, cada actor se va adaptando a los proyectos, puedo decir que, en los casos en los que he trabajado en Estados Unidos, de una forma muy profesional. Ponen el trabajo por encima de cualquier otra cosa y cuando ellos escogen participar en un proyecto es porque tienen una apuesta clara porque lo están haciendo.

SC: ¿Qué tanto ha influido tu trabajo como documentalista en tu paso por el cine de ficción y la cinefotografía?

LH: He tenido la fortuna de poder mantener esta dualidad, esta versatilidad de poder brincar de uno a otro, en lugar de la forma natural que muchos de mis colegas están un poco obligados, que es estar en la publicidad y en la ficción.

Yo he tenido desde mis inicios una pasión muy particular por el documental, me aporta este sentido de la realidad y me ha permitido conocer y aprender cosas que en mi vida yo hubiera puesto un pie ahí o jamás hubiera volteado a ver aspectos de la actualidad y del mundo en el que vivimos. En los últimos 10 años, mi participación o mi forma de trabajo en el documental, no en todas las ocasiones, pero en una buena parte soy el director y el director de fotografía. Son proyectos donde yo controlo ese aspecto.

En el caso de la ficción, mi colaboración ha sido exclusivamente como director de fotografía, pero este entrenamiento o las horas que uno le dedica me han dado una herramienta mental de estar consciente de que las imágenes que estás haciendo van a ser parte de un montaje y parte de un rompecabezas en donde estoy muy consciente de la gramática, no solo de la puesta en escena y de la imagen como tal. Me gusta mucho tener esa versatilidad porque, de uno u otro lado se complementan muy bien, aunque yo estoy consciente de que no es un standard, no es lo más normal. Son formas de trabajo totalmente distintas y es muy enriquecedor tener esas variantes en la forma profesional.

SC: En el caso de La montaña ¿Cómo se relacionó tu visión de la cotidianidad y el realismo con la ficción?

LH: En el caso particular de Heli (2013), cuando Amat (Escalante) me llamó me dijo que a él le interesaba esta experiencia que yo tenía en el documental, que quería explotar eso en el rodaje.

En el caso de Rick Alverson, él también ha hecho cosas documentales pero se mueve más en el mundo de la música. Rick Alverson antes de ser director, no solo fue patinador artístico –por lo cuál eso también está en la película, conoce ese mundo–, sino que es músico. Entonces, la versatilidad de los directores van marcando diferentes formas de trabajo. Con algunos les interesará más o no que yo venga o viva parte de mi vida profesional en el mundo documental.

Cada proyecto es muy singular, tiene necesidades particulares y objetivos muy particulares.

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SC: Sobre tu futuro ¿Volverás al documental? ¿Trabajarías de nueva cuenta con Rick Alverson?

LH: Llevo 5 años haciendo con la Universidad de Cornell, en Nueva York, un documental sobre los flamingos. El ciclo natural de los flamingos y finalmente estamos iniciando la etapa de edición, creo que en un año ojalá podamos estar estrenando la película en México. Es un proyecto totalmente diferente que tiene que ver con el mundo de la naturaleza; fue un proceso de aprendizaje. Es muy distinto filmar a seres humanos, historias sociales que la vida natural.

Hay otro proyecto que acabamos de echar a andar, apenas nos dieron el EFICINE, que es un documental social sobre la colaboración de doctores en misiones solidarias en África. Un tema duro, muy crudo pero que también espero, el próximo año, poderles avisar y poder compartir con ustedes si llega a buen puerto.

Con Rick Alverson, él está preparando su próxima película, entonces también próximamente, creo que a final de año probablemente, empiece a ser más claro si ya está listo para filmar.

La montaña ya está en carteleras mexicanas.

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