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Esto no es Berlín: Entrevista con Hari Sama

Por: Foto: Cinépolis Distribución 19. Oct. 2019
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El director Hari Sama habla sobre su nueva película ‘Esto no es Berlín’, el peso de su historia personal en la cinta y el trabajo en el set con actores como Xabiani Ponce de León y Marina de Tavira.

Morelia – Para el director Hari Sama, la creación de su más reciente película, Esto no es Berlín (2019) involucró realizar un constante viaje personal a su pasado.

Partiendo de su adolescencia en Lomas Verdes, una zona suburbana a la Ciudad de México, Sama comenzó a escribir un guion que no solo rescataba a la escena punk ochentera en la Ciudad de México, también lo confrontaba con su historia, sus relaciones y los eventos que marcaron su adolescencia y lo convirtieron en el artista que hoy es.

En la cinta, presentada en los festivales de Sundance, Tribeca, Málaga, San Sebastián y Morelia, el cineasta sigue la vida de Carlos (Xabiani Ponce de León), un adolescente con una vida monótona: va a la secundaria, lidia con su madre deprimida (Marina de Tavira) y mantiene un mínimo contacto con otros adolescentes de su zona. Sin embargo, todo esto cambia cuando consigue ser llevado a un antro punk de la Ciudad de México como acompañante de Rita (Ximena Romo), vocalista de una banda y hermana de su mejor amigo (José Antonio Toledano).

Bajo luces neón y un mundo de excesos, guiado por amistades como el artista bohemio-punk Nico (Mauro Sánchez Navarro), Carlos comienza una nueva vida llena de descubrimientos sexuales, morales y artísticos.

Previo a la presentación de su película en el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), Hari Sama platicó con Sector Cine sobre el origen de la cinta, sus anécdotas personales que se mantienen en el guion y cómo el rodaje fue una especie de terapia para el cast y crew.

Sector Cine (SC): No extrañará a nadie descubrir que Esto no es Berlín es una película muy personal para tí, incluso el personaje principal lleva tu nombre. En ese aspecto cómo fue que trabajaste el guion para que esta esencia cercana se mantuviera, pero que también pudiera ser una película universalmente apreciada y entendida.

Hari Sama (HS): La película es una reflexión como de mi propia vida. Después que hice El sueño de Lu, me di cuenta que el cine que me viene mejor a mi es el cine donde yo me arriesgo un poco también como artista. Digamos, donde pongo suficiente de mí como para que me vulneren, entonces esta película llevo realmente muchos años pensándola, como un poco el proceso de maduración de un adolescente que crece en el área de Lomas Verdes y que llega a esta zona de la ciudad y se encuentra como con todo este mundo clandestino de arte y de adolescentes y de jóvenes que están en una especie de efervescencia creativa y loca y necesaria que sucedió y que se conoce poco.

Empieza a ser documentada, porque hay muchos artistas que se volvieron muy famosos después pero está realmente muy poco documentado y se conoce muy poquito sobre quienes estaban, qué pasaba, quienes exponían, donde exponían y porque todo era muy clandestino, sucedía en casas de gente.

SC: Y en la película abordas esos lugares…

HS: Sí. Uno de los lugares donde fuimos a filmar fue La quiñonera, que es una casa que sigue funcionando, es la casa de estos dos gemelos que sus papás les dejaron mientras se fueron a vivir a Morelos y en la que pasó de todo, fiestas míticas de las que todos nos acordamos, al menos los que vivimos en esa época. En las que empezaba a tocar Las insólitas imágenes de Aurora, que era Caifanes antes de Caifanes; Santa Sabina; todas estas bandas de electrónica muy raro que se quedaron un poco ocultas, un poco en el underground.

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Yo tuve una banda en esa época de post-punk super oscuro que se llamó La muerte de Euridice y como dejamos el proyecto me alejé de todo lo que tuvo que ver con el rock en español y ya todo lo que pasó después. De repente me topé con Caifanes, que habían regresado, en el Wirikuta fue muy impresionante para mi ver en lo que se había convertido Caifanes en todos esos años de por medio, 60,000 personas coreando las canciones hacían que Saúl ya ni siquiera necesitara cantar.

Yo tenía muchas ganas de contar este cuento, porque siento que hay un paralelismo con, por decir algo, el inicio de la película arranca de una forma un poco sombría porque la familia del protagónico es una familia rota, con un papá ausente, con una mamá deprimida que creo que, a todos medio nos suena eso y por otro lado, lo atractivo de contar esta historia.

SC: Al tratarse de vivencias tan cercanas y personales ¿qué tan complicada fue la concepción del guion y el rodaje, al atraer todas estas imágenes vividas a un set?

HS: Tiene muchos aristas hacer las cosas de esta manera, de entrada a la hora de escribirla empiezas como un proceso de reflexión, pero donde se pone realmente interesante la cosa es cuando empiezas a hablar con los actores. Yo trabajo mucho con los actores desde una perspectiva entre psicoanalítica y mística en donde los dos hacemos una especie de alianza en donde buscamos realmente abrirnos con el otro y contar de dónde vienen las cosas, qué del dolor del actor yo puedo usar para el personaje, qué de mi dolor está representado en la película.

Hay que abrirse y fue muy bonito que los actores que elegí y que eligieron estar en la película han sido super generosos en ese sentido de realmente abrirse. Ya ahí se empezó a volver una cosa como de terapia grupal muy fuerte en la que, a fuerza recuerdas muchas escenas de esa época. Luego empezar a montar los espacios y que, yo sé que esa mujer tiene que ver con mi madre; empiezas de verdad a tener una experiencia muy catártica que a mí, al menos, me ha vulnerado. He vuelto a revisar cosas, me tocó ir a lugares, por ejemplo el lugar al que iba yo a fumar tabaco a escondidas en una zona de Echegaray, porque veníamos de una locación.

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Te lleva de regreso a esa época en la que pasaron cosas muy fuertes, yo estoy seguro que muchas de las cicatrices que tenemos la mayoría de los seres humanos vienen de la preadolescencia y quedan marcas muy intensas con las que tienes que vivir el resto de tu vida. Regresar a esos lugares, recordarlos, entre que es muy fuerte y muy bonito porque te obliga a volver a entender qué onda contigo hoy, qué cosas de las que te suceden hoy vienen de entonces. La verdad a mi me ha conmovido permanentemente esta película. Yo creo que es de las cosas que he hecho que más me han movido.

SC: También al ser un proyecto tan personal eres más vulnerable a la crítica ¿cómo lidias con eso?

HS: Habrá a quien no le guste y quien la critique y demás, siendo que hay una parte super importante de ti. Entonces, la importancia que tiene no tomarse las cosas personales y saber que las películas se vuelven otra cosa separada. Es un ejercicio de humildad que me parece muy interesante. Todo el proceso estás vulnerándote. En esta película hay un juego de realidad y ficción porque, a los artistas que retrato, les he pedido que se arriesguen. Son artistas que muchos de ellos han elegido el camino de las acciones, de los happenings, del performance, el de violentar las calles, hacer las cosas muy fuertes. Salir, desnudarse en la calle y para los actores mismos fue complicado, pero ese ejercicio se volvió una cosa muy catártica para los que teníamos más miedo de hacerlo, después ya no se querían poner la bata.

SC: Entonces tenías que tener a los actores indicados para tomar el reto y arriesgarse contigo ¿Cómo los encontraste?

HS: Con Mauro Sánchez Navarro ya había trabajado en una serie y mientras más lo fui entendiendo, más vi su parecido con Nico. Entonces él ya sabía que quería que hiciera ese personaje. Después me tocó hacer un casting muy extenso con ideas de amigos y de gente que había estado trabajando con jóvenes; la verdad es que, quienes quedaron se lo ganaron a pulso con los castings que hicieron. A muchos de ellos les pedí que vinieran muchas veces para seguir trabajando y estar muy seguro. El universo ha conjeturado con esta película. Yo si siento que trae como un ángel que ha abierto caminos.

En el caso de los adultos fue muy interesante cómo, de pronto, Marina de Tavira resultó hacer el personaje de la mamá del protagónico, que es un personaje secundario pero muy importante, es un pilar de la película y yo no había tenido la oportunidad de trabajar con Marina y me parece una actriz de unos tamaños impresionantes que dimensionó el personaje. Esta película era para Marina, nadie más lo hubiera hecho así. La verdad es que fueron procesos de mucho casting con los chavos, y de reflexionar con los adultos.

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Lo que más me gusta de hacer películas es pedirle a los actores que hagamos un trabajo de preparación muy profunda en la que se ponen en riesgo las cosas, siendo que uno se abre en canal frente al otro. Pero tenemos la intención de hacerlo desde lugares luminosos, entonces justamente salimos crecidos. Uno aprende a poner la sombra enfrente, siempre con la intención de verla, entenderla, comprenderla y poderla trascender en algún momento. No es que haber hecho esta película nos cambió a todos de una manera tan determinante, pero sí puede ser que aprendamos de eso. Esta película trae mucha sombra, hay muchas drogas, hay una búsqueda de la conexión desde lugares no acertados.

SC: A pesar de que Esto no es Berlín es una película completamente diferente a otros títulos de tu filmografía, puede sentirse como parte de una propuesta dramática que has explotado a lo largo de tu carrera reciente. ¿Cómo dirías que esta película convive con otros de tus trabajos?

HS: Como que yo he hecho un cine muy diverso siento que yo ya encontré algo desde El sueño de Lú, después hice Despertar el polvo, que es una película muy experimental y muy de barrio.

Creo que hay una constante en el punto de vista que hay de los personajes que están en cualquier tipo de tormento. Intento que sean miradas compasivas, de alguna manera yo creo que hago un cine humanista o eso intento siempre. Entonces creo que esta película, mucho más excéntrica, exuberante, de época, de muchos personajes, que en eso si es muy diferente de las otras películas que he hecho. La mayoría de mis películas pueden ser consideradas muy íntimas.

En Esto no es Berlín mi reto fue que todo el color que hay no me distrajera de la esencia, de la historia de estos personajes que también están en procesos dolorosos de autocomprensión y que los dos protagónicos tengan esa misma arcilla con la que yo he tratado a los demás personajes de mi cinematografía. Si hay una parte muy estridente, pero también hay un costado muy sensible y de mucha intimidad con los personajes. Es una mezcla peculiar, donde la película tiene un volumen mayor y al mismo tiempo esa conserva esta esencia íntima y muy compasiva de relacionarse con los personajes.

SC: Y después de involucrarte en un tema personal, ¿qué otras historias quieres contar en la pantalla?

HS: La próxima película que me gustaría hacer es una historia que se pregunta sobre las herencias, de las sombras en las familias. Entonces seguiré como por territorios medio densos. Es una película mucho más sencilla porque es una película actual. Creo que será un poco más chica, no tan chica como El sueño de Lú pero si un poco chica y seguirá hablando de cómo, incluso sin saberlo, en las familias hay herencias, defectos de carácter, debilidades oscuras que se han ido pasando del abuelo, al hijo, al nieto. La herencia de problemas sexuales y qué se hace con eso, por ejemplo. Ojalá esa sea la próxima que se filme, ya estoy en ese guion.

Esto no es Berlín forma parte de la selección oficial (Largometraje mexicano) de la 17º edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM).

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