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Diego García: El nuevo gran cinefotógrafo mexicano

Por: Foto: Miami Film Festival 18. Nov. 2019
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Previo a recibir el Premio Robby Müller del Festival de Rotterdam, el cinefotógrafo mexicano Diego García habla sobre su trabajo e inspiraciones.

Por Diego García cinefotógrafo Diego García cinefotógrafo Diego García cinefotógrafo Diego García cinefotógrafo Diego García cinefotógrafo

Un cuarto oscuro de su casa y una cámara Pentax fueron testigos del nacimiento de la mirada de uno de los cinefotógrafos más importantes de la historia reciente de nuestro país: Diego García. Aunque el cine siempre estuvo cerca de él –pues, además de contar con una amplia filmografía a su alcance, su hermano mayor había estudiado en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM (hoy ENAC)–, fue la idea de capturar imágenes lo que lo atrajo al arte de la creación cinematográfica.

“Creo que siempre me gustó la fotografía”, comenta el cineasta en entrevista exclusiva con Sector Cine. “Comencé a hacer foto fija en blanco y negro en un cuarto oscuro en mi casa y eso me encaminó a desarrollarme más en el movimiento y en contar historias”.

Tras encontrar una nueva pasión en las imágenes en movimiento, García hizo lo que cualquiera que quiera dedicarse al cine debería hacer: empezó a ver muchas películas. También se involucró en la producción de pequeños trabajos como asistente de cámara.

“A veces no importaba que no había remuneración; trataba de seguir un camino en cosas que sentía que me llenaran. Empecé a hacer trabajos muy independientes y sencillos, básicamente con nada. Hice mucho documental y así fui aprendiendo y fue cómo desarrollé una forma de trabajo muy minimalista, desde la sencillez y la austeridad. Así lo he ido desarrollando hasta el día de hoy”.

Esa mirada minimalista le valieron al cinefotógrafo, graduado del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), ser reconocido y llamado por cineastas de todo el mundo.

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Diego García en el rodaje de Nuestro tiempo – Mantarraya

Tras laborar en los primeros trabajos de Natalia López y Daniel Castro Zimbrón, García debutó en el largometraje con el drama Without (2011), del cineasta estadounidense Mark Jackson.

Después le siguieron Fogo (2012), de Yulene Olaizola –donde también participó en el guion–; Manto acuífero (2013), de Michel Rowe; el documental Chuy: El hombre lobo (2014), de Eva Aridjis y la comedia Tiempos felices (2015), de Luis Javier Henaine.

Su intuición y potencia visual llamaron la atención del director tailandés Apichatpong Weerasethakul, ganador de la Palma de Oro en 2010, quien lo llamó para fotografiar la cinta Cementerio de esplendor (Rak ti Khon Kaen, 2015). Desde entonces, García ha sumado colaboraciones con directores como Gabriel Mascaro (Boi Neon, 2015; Divino amor, 2019); Paul Dano (Wildlife, 2018); Carlos Reygadas (Nuestro tiempo, 2018); Nicolas Winding Refn (Too Old To Die Young, 2019) y Yorgos Lanthimos, con quien trabajó en nuestro país en el cortometraje Nimic (2019).

El futuro no pinta menor para el cinefotógrafo mexicano. Además de preparar el estreno de una cinta protagonizada por Jennifer Lawrence, García recibirá el Premio Robby Müller a la excelencia cinematográfica por parte del Festival Internacional de Cine de Rotterdam (IFFR) y la Sociedad Holandesa de Cinefotógrafos (NSC). El mexicano es el primer cineasta reconocido con dicho premio.

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Diego García en el rodaje de Wildlife – Sony Pictures

Previo a la entrega del reconocimiento, platicamos con Diego García sobre su labor tras la cámara, algunos de sus proyectos más recientes y los referentes que encuentra en la obra de Müller y otros cinefotógrafos exitosos.

Sector Cine (SC): ¿Cómo definirías tu trabajo en el cine?

Diego García (DG): Simplemente soy un colaborador para trabajar en conjunto con directores, desarrollar las ideas y una visión; encontrar la mejor manera de contar una historia, de transmitir y traducir todas estas ideas en imágenes y narrativa.

SC: ¿Cómo trabajas con cada director con el que has colaborado?

DG: Conecto mi trabajo con las ideas del director y las desarrollamos juntos, encontramos la paleta de color y el estilo visual. Muchas veces la forma está un poco predeterminada y definida. Por lo general siempre es un campo abierto a explorar y los colores uno los va encontrando en el camino, conectados con tonos, con sentimientos, con estados de ánimo o ideas particulares. Con cada director es diferente.

SC: En ese aspecto, así como consideramos a los directores, productores y guionistas ¿Qué tanto de la autoría de una película le correspondería al director de fotografía?

DG: Yo creo que aportamos mucho en términos de lenguaje y de la creación general de una obra, pero siento que aportamos una pieza más de un total grande. El trabajo que hago trato de abordarlo de la manera más silenciosa y sencilla, no trato de tener una voz muy alta para así adaptarme de una mejor manera a cada película que hago y abordarla de una forma única, no tanto que yo llegue a un proyecto e imponga un estilo. Yo no podría decir que tengo un estilo, nada más voy buscando nuevas formas en cada trabajo.

SC: Y al hablar de estilo también tienes que acompañar las preferencias del director. Por ejemplo, la fotografía de Too Old to Die Young es muy similar en estilo y apariencia a la de Only God Forgives, el trabajo previo de Nicolas Winding Refn…

DG: (Nicolas Winding Refn) me daba mucha libertad de escoger toda la gama cromática en cada escena. Es un estilo que él también ha ido encontrando a lo largo de toda su obra. Es como un pintor y tal cual va creando composiciones y profundidad, no solo en la forma también en la armonía. Usa mucho color, contraste. Es daltónico, entonces le gustan los colores saturados para alcanzar a ver algo… jugar con temas como noir pero del futuro; cyber-punk.

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Too Old To Die Young – Amazon Prime Video

SC: En el caso de Gabriel Mascaro, con quien has colaborado en dos ocasiones, tu trabajo cambia entre película y película. Boi Neón estaba completamente definida por el neón y Divino amor se rige por la sencillez. ¿Cómo es que defines qué tipo de trabajo tienes que hacer en cada proyecto?

DG: Divino amor es muy distinto a lo demás. La definiría más como una acuarela, con pinturas de agua un poco más pastel. Todo está vinculado a este centro religioso donde hacen estas ceremonias de amor y quisimos crear un espacio, un universo, en el que uno pudiera transportarse también a través del color, los movimientos de cámara y de toda la puesta en escena.

SC: Al recibir el premio Robby Müller tu nombre estará inscrito en la historia de la cinematografía nacional para siempre. Pero, para ti ¿Qué significa recibir este premio?

DG: Estuve pensando estos días que sí es un reconocimiento con una carga simbólica enorme porque, para mí, Robby Müller fue una gran inspiración desde muy joven, en los noventa que yo empezaba a ver cine y me empecé a entusiasmar por este arte. Cuando veía su trabajo me inspiraba mucho y fue uno de los motores que me ayudaron a abrir el camino para lo que hago hoy en día.

Yo veía películas como Dead Man (1995) y salía muy conmovido del cine, recuerdo que la fui a ver varias veces y actualmente es de mis películas favoritas; no se diga Paris, Texas (1984). Tiene una filmografía brillante y me conecto mucho con el espíritu con el que se acerca a las películas, no necesariamente que tengan un look o cierta belleza plástica superficial. Siempre iba al trasfondo de las historias y de los personajes y encontraba la forma de hacerlo muy natural. Entonces sí es un reconocimiento muy lindo y estoy muy agradecido.

SC: Además de Müller, ¿Qué otro cinefotógrafo marcarías como un referente en tu carrera?

DG: Darius Khondji fue uno también y la vida me llevó a trabajar con él en Too Old To Die Young, hicimos la serie juntos alternando capítulos; él hizo cinco y yo cinco. Entonces también fue un encuentro mágico de ver sus películas en los noventa: Delicatessen (1991), La ciudad de los niños perdidos (La cité des enfants perdus, 1995). También yo empezaba a descubrir una forma maravillosa de creación y ahora lo conozco y me llevo muy bien con él. Es como un padrino.

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Divino amor – Desvia

SC: Mencionas la época de los noventa, que fue una década de aprovechamiento para el surgimiento de grandes cinefotógrafos mexicanos que actualmente conquistan el mundo del cine ¿Dirías que alguno de ellos también fue un referente para tu formación?

DG: Obviamente he seguido los trabajos de (Rodrigo) Prieto y (Emmanuel) Lubezki. Es muy impresionante todo lo que han filmado y han logrado. Me acuerdo mucho que cuando vi La leyenda del jinete sin cabeza (Sleepy Hollow, 1999) me quedé muy impresionado con el nivel artístico que estaba logrando un cinefotógrafo mexicano. También son muy importantes para mí y siendo mexicanos era bonito ver cómo gente de México en verdad lograba hacer este nivel de película.

SC: Tu próximo proyecto es muy interesante por muchos aspectos, desde su rodaje, su compañía productora (A24) hasta que la protagonista sea Jennifer Lawrence. ¿Podrías hablar un poco de él?

DG: Sentí que es un proyecto muy íntimo, muy sencillo: interiorizar sobre una mujer en recuperación física y emocional.

La directora (Lila Neugebauer) es muy reconocida como directora de teatro en Nueva York y fue una buena colaboración. El diseñador de producción fue Jack Fisk que es como un maestro, uno de los mejores del mundo. Ha filmado con Paul Thomas Anderson, Terrence Malick, David Lynch; entonces para mí era una gran inspiración trabajar con él, aprender de él. Fue un senséi y creo que eso fue lo más bonito.

Filmé en verano de este año y la están postproduciendo ahora, entonces supongo saldrá el año que entra.

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Wildlife – Sony Pictures

Diego García recibirá el premio Robby Müller el 27 de enero de 2020, durante la clausura el Festival Internacional de Cine de Rotterdam.

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